Silvia Mildiner – Mirar lo invisible

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Fuera de encuadre, 2016. Medidas: 35 x 35 x 70 cm. Maderas, imanes de neodimio, hilos de poliester.

Si bien su inicio formal en las artes plásticas se da recién en 2009 cuando comienza a cursar la  licenciatura en la Universidad de Palermo, participando de distintos talleres de escultura contemporánea con Dolores Casares y Edgardo Madanes y finalmente un Curso de postgrado de especialización  en curaduría de Arte en la UNTREF en 2014, Silvia Mildiner siempre se vio involucrada en disciplinas cuyo desarrollo harían eco en las obras. Sus 20 años de trabajo como Eutonista, le permiten establecer una fuerte conexión entre el contacto de la mano, el cuerpo, el “espacio entre las partes” y el aprendizaje basado en la percepción que su profesión proponía: aprender a visualizar el movimiento, poner el cuerpo, literalmente, como mediador de la experiencia.

Se destacan sus trabajos seleccionados para el Salón Nacional de Escultura (2017), la muestra Cuerpo Negro en Espacio Cultural Matienzo (2017), XIII Salón textil de pequeño y mediano formato – Museo José Hernández (2017), la instalación La  lucha por el espacio en el Palais de Glacé (2016), Mención Salón Nacional de Escultura (2016), selección Salón Municipal de Escultura Manuel Belgrano (2015), y las intervenciones realizadas en la Galería Pasaje 17 entre 2013 y 2015: intervención en la vidriera, baño y ganadora del Primer premio en el certamen “30 años de democracia”, OSPOCE.

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Repouseer. 2014. Instalación. Medidas variables. Valija, elásticos, piedras, maderas. Montada en Galerìa Pasaje 17 – febrero 2014.

Maria Carolina Baulo: “Lo invisible, lo que se esconde, resulta más visible que lo que aparece sin más.” Esta frase de Didi Huberman que siempre citas, de alguna forma resume tu trabajo ¿Cómo interpretas esta búsqueda plásticamente?

Silvia Mildiner: Si! me conmovió descubrir el libro “Lo que vemos, lo que nos mira”, de George Didi Huberman, porque encontré una justificación teórica  y una puesta en palabras  a lo que es mi motor como artista y mi interés como espectador de arte. Este autor habla de dos tipos de evidencia: la óptica y la presencia. La presencia no necesariamente es la que se ve y quizás por eso es la que nos convoca a la pregunta. Lo invisible es un foco interesante para mí como disparador por lo que subyace y sostiene pero que sin embargo, no aparece. El lenguaje que elijo, es el espacial.  Necesito “poner el cuerpo” cuando trabajo.   El procedimiento para pensar y concretar una obra es básicamente movimiento. Los conceptos aparecen cuando empiezo a probar situaciones espaciales. El movimiento que luego se aquieta cuando termino de resolver la obra, es  inherente a mi modo de estar y relacionarme con lo cotidiano.

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La lucha por el espacio, 2016. Instalación in situ, en coautoría con Leo Ocello. Sala de 3m x 7m. Aluminio, elásticos, tanzas. Instalada en Palais de Glace – Sala primer piso.

MCB: La serie “Fuera de Obra” es quizás uno de tus trabajos más completos y que sigue en crecimiento. Allí aparecen las características básicas de tu obra: tensiones aparentemente equilibradas, la fragilidad de lo estable, el extrañamiento, el espacio entre los cuerpos como un tercer elemento fundamental; contanos sobre esta serie.

SM: La serie “Fuera de obra” es el resultado de una investigación acerca de dos cuestiones: la pregunta sobre el arte y la inquietud acerca de la imposibilidad de cierre. Supongo que ambas preguntas están relacionadas.  La obra de arte no se completa a sí misma y lo más interesante está en esa “falta”. Por suerte, hace siglos que la obra dejó de ser necesariamente objeto de culto para dar lugar a situaciones que nos involucran como espectadores y nos piden una reflexión.  Jacques Derrida plantea en su libro “La verdad en la pintura”, la cuestión del marco.  La importancia del enmarcarcar como recurso para subrayar lo incompleto, la convivencia con eso otro que se cuela indefectiblemente. En  “Brecha” (2016) se presenta la tensión entre dos esferas que se encuentran sin llegar a tocarse;  la escena transcurre dentro de una caja que las  contiene.  Luego  en “Fuera de obra” (2016) y “Desquicio”(2016) el marco finalmente se quiebra.

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Margen de ausencia, 2017. Medidas: 35x50x30cm. Maderas, imanes de neodimio, hilos de poliester, enchapado, tornillos de bronce.

MCB: “Transporte” es una obra que fue recientemente seleccionada en el Salón Nacional de Escultura 2017. Además de responder a la descripción de la serie “Fuera de Obra”, me gustaría que nos contaras sobre los elementos formales constitutivos de la obra y el uso casi exclusivo de la monocromía que homogeniza y hace más sutiles los contrastes (esto en tu obra en general)

SM: En particular “Transporte” encara  la continuidad en los cortes y la trascendencia más allá de los contornos.  La bola que se mantiene en una estabilidad aparentemente precaria estaría a punto de colisionar pero esto no sucede. Tomo la palabra transporte de un concepto de la Eutonía que define  y trabaja  la relación de las partes, el empuje y la presencia del cuerpo más allá de sus límites.  De la Eutonía rescato no solamente el  nombre sino básicamente la metodología para el cuestionamiento acerca de  lo habitual, lo que se da por sentado, lo automático. “Transporte”, como todas las obras del grupo “Fuera de obra”,  están construidas con  hilos,  madera y  energía magnética. El hilo es lo que habilita al volumen, aleja, acerca. Aparentemente débil, cobra fortaleza sosteniendo la tensión. La energía magnética es el corazón de la obra, el secreto; es el recurso que da lugar al juego, a lo mágico. 

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Cuerpo Negro, 2017. Instalación in situ, en coautoría con Rita Simoni. Sala de 4m x 7m.
Yeso, cordones de nylon, alambres, durlock

MCB: “Cuerpo Negro” fue una instalación site specific montada en Espacio Cultural Matienzo (2017) junto a la artista visual Rita Simoni. Si bien lo textil está siempre presente en tus trabajos, aquí hay preponderancia casi exclusiva…

SM: EL diseño de indumentaria me aportó un sistema de organización para resolver conflictos. Una vez resueltos, la costura es el momento de meditación. No es el caso de “Cuerpo Negro” (2017) donde el enhebrado de los cordones con alambres que pasan por dentro para darles cuerpo, no resulta un acto repetitivo ni meditativo.  El cuerpo negro brota de manera desordenada y explosiva, irregular y despareja.  Me resulta muy enriquecedor trabajar con otros artistas y también  en una “caja grande” como es el espacio expositivo donde el espectador es parte de la obra o está inmerso en ella.

MCB: Finalmente: ¿cuán importante es en tu obra la conexión entre el contenido conceptual y la factura plástica?

SM: Mi obra apela a la percepción; me interesa convocar a la extrañeza, a la inquietud.

La factura plástica en mi obra es el recurso para hablar. La factura plástica hace al concepto. Pero, como te comenté en alguna pregunta anterior, el procedimiento también hace al  concepto.  Las relaciones de poder, de sometimiento, las identidades, las tensiones serían el relato de mi obra la cual, que sin embargo, carece de anécdota. Mi modo es espacial y  corporal.  Intento hablar con los cuerpos mudos, aparentemente neutros para que cada quien escuche, se pregunte y traduzca el conflicto en su propio lenguaje.

Maria Carolina Baulo

11 responses

  1. Muy buena nota, es interesante la tensión que tienen algunas obras en relación con la instalación última que es más relajada en cuanto a lo que la rodea, me interesó la parte donde hace una reflexión sobre la Eutonía donde no muchos conocen que es una disciplina corporal y que buena relación con el arte.

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