Juan Pablo Ferlat-La escritura sin fin

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Crudo #5, #6 & #7. Fotografía digital, 32 x 45 cm. 2011

Cuando pareciera que está todo inventado, algunos artistas logran encontrar la forma de combinar materiales y técnicas “clásicas” con soportes contemporáneos para materializar sus obras. Así, Juan Pablo Ferlat pone en juego la impresión y escaneo tridimensional, el grabado láser, la fotografía y el video digital con la rusticidad del papel de fibras vegetales, la cera virgen de abejas y el petróleo crudo. Formado como Diseñador de Imagen y Sonido (UBA) y con un posgrado en Programación para el Arte Interactivo del Instituto Universitario Nacional del Arte de Buenos Aires, completa sus estudios realizando clínicas con Rodrigo Alonso, Charly Nijensohn, Mariano Sardón, Carlos Trilnick y Gabriel Valansi. En 2007 ganó el Primer Premio Paradigma Digital y en 2009 recibe el  subsidio a la producción otorgado por el Centro Cultural de España en Buenos Aires. También recibe becas de la Fundación Telefónica, el Banco Itaú, el Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano y Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires. Sus obras forman parte de colecciones privadas y han sido exhibidas en Buenos Aires, Rosario, Berlín, Los Angeles, Chicago y Houston. Su primera muestra individual llega en 2011 en la galería La ira de Dios. Ferlat focaliza en los procesos detrás de la obra más allá de la materialización misma que es siempre “un estadio del recorrido y no un destino final”, tal sus palabras. 

Crudo #3 & #4 Fotografía digital, 45 x 45 cm. 2011

María Carolina Baulo: Tu obra es producto de muchos años de investigación. CRUDO (2011), tu primera muestra individual, surge de un proceso que comienza con un viaje al noroeste argentino en 2003 donde te conectas con la cultura indígena local. Leí que este proyecto se define como una “máquina de retratos eternos, donde las fuerzas de la naturaleza animen un artefacto que construya y destruya retratos de forma cíclica y eterna”. ¿Cómo pensaste este proyecto técnica y conceptualmente?. 

Juan Pablo Ferlat: La muestra CRUDO (2011) fue el primer desprendimiento del proyecto Perpetuum Golem que surge como idea en el 2008 y toma la forma de un work in progress que engloba todas las investigaciones y experiencias vinculadas al desarrollo de esta máquina. Despliego mi trabajo con lentitud porque lo pienso en términos de ciclos de maduración en una especie de lucha perfeccionista por acercarme al límite de mis potencialidades. Las leyes o estrategias del éxito en la Nauturaleza tienen miles (o millones) de años de puesta a prueba y perfeccionamiento. Uno de mis intereses en el estudio de culturas ancestrales tiene que ver justamente con que su evolución cultural se dio lentamente en un estrecho vínculo de adaptación y aprovechamiento de estas estrategias. Hoy en día la evolución de las tecnologías digitales tiene una asceleración como ningún otro fenomeno en la historia del hombre. Con este proyecto me planteo recuperar puntos de referencia, que permitan recontextualizar las problemáticas que se desprenden de la explosión tecnologica, en un entramado de relaciónes temporales más amplio. Construir un mestizaje de modelos que intenten recuperar la profunda energía emocional que proporciona la reconexión simbólica con los fenómenos de la naturaleza. En este contexto entiendo el desarrollo de las tecnologías aplicadas en mi trabajo como parte estructural de los objetivos.

Crudo Impresión 3D pintada con petróleo crudo, sistema de levitación Escultura: 10cm x 7cm x 10cm Pedestal: 130cm x 30cm x 30cm 2011

MCB: Sobre los materiales: papel vegetal, cera, petróleo, soportes fotográficos, una obra que tiene su origen en el plano bidimensional del dibujo para luego pasar a la fotografía y finalmente al plano 3D. ¿Cuál fue la importancia de hacer tu propio papel despegándote del plano industrial para luego completar la obra en una instancia digital? Allí pintas con productos medicinales y luego intervienes con el grabado laser, sintetizando dos mundos aparentemente antagónicos aunque complementarios.

JPF: Hacer mi propio papel surge como búsqueda de un soporte que tenga íntima coherencia con las sensaciones que quería capturar. Los trabajos de San Pedro (Echinopsis Pachanoi) junto a descendientes de Diaguitas me permitieron experimentar “imágenes mutisensoriales” cuya captura por medio de dispositivos tecnológicos me resultaba inconducente. Comencé una etapa ermitaña, haciendo largos retiros en parajes desolados; asceta y despojado de toda herramienta repensé mis estrategias de representación. Empecé a usar el botiquín de primeros auxilios que llevaba en la mochila, especialmente los desinfectantes, como médium para pintar. Desarrollé también una técnica propia de fabricación de papel, en la que solo necesitaba una olla para cocinar la fibra vegetal y un martillo de madera para machacarla. Como resultado, estos papeles son una suerte de superficie escultórica, una metáfora de la piel y su capacidad de manifestar heridas psíquicas. La realización de cada papel tomó la forma de un ritual que llevaba entre uno y dos meses de trabajo y cuyas acciones eran realizadas dentro de un “temeno” efímero. Ese “espacio sagrado” era transmutado e incorporado al papel por medio de este ritual. El  grabado con luz laser surge años después como el primer gesto de un corpus de trabajos con este sincretismo entre tecnologías ancestrales y contemporáneas. 

MCB: La cabeza escaneada 3D (a escala 1:1 de tu propia cabeza) es el resultado de este pasaje; luego será fotografiada para completar la obra. ¿Piensas tu obra como un todo que integra distintas instancias y soportes o tanto las esculturas como las fotografías o los dibujos pueden funcionar individualmente? 

JPF: No pienso en términos de “obra” sino de “trabajo” y “proceso”. Estos toman la forma de recorridos o exploraciones en un territorio desconocido, conformado por ideas y preguntas que me obsesionan. Las “obras” no son destinos en si mismo, sino que se desprenden de ese caminar, como lastres que me alivianan y permiten seguir en el largo camino. Lo interesante es que de todas formas las “obras” quedan impregnadas, exudan estas ideas y preguntas. A su vez, a la hora de pensar una muestra individual, me interesa que todas las “obras” trabajen como un conjunto en función de problematizar y constelar estos interrogantes.

Crudo Impresión 3D pintada con petróleo crudo, sistema de levitación Escultura: 10cm x 7cm x 10cm Pedestal: 130cm x 30cm x 30cm 2011

MCB: Pasemos a los trabajos en proceso, ¿qué me puedes contar de la serie de esculturas “Impermanencias”? Entiendo que es una obra que se resume en 6 etapas y cada una de ellas depende de la efectividad del desarrollo de la etapa anterior.

JPF: Este proyecto surge a partir una serie de experiencias que realicé para poner a prueba la teoría de la Emergencia. Esta teoría explica comportamientos de conjunto que no son deducibles a partir del análisis de sus elementos constituyentes. Por ejemplo, permite explicar el proceso por el cual emerge la conciencia humana a partir de la interacción de neuronas individuales. Pero también permite entender el surgimiento de comportamientos colaborativos (por ejemplo en la Argentina post-crisis 2001) desde otra perspectiva, vinculándolos a estrategias que se dan en la naturaleza, como los procesos de autoorganización en las bandadas de pájaros. ¿Cómo sería posible entonces capturar el momento en que emerge un comportamiento autoorganizado? ¿Qué forma toma el cambio de fase por el que un grupo de personas pasa a comportarse como una unidad que es más que la suma de las partes? A través de los años fui desarrollando un sistema basado en procesos de traducción, que parten de una serie de pautas de comportamiento basadas en algoritmos de simulación de bandadas de pájaros. Estas pautas son ejecutadas por un grupo de personas y grabadas en video, para luego por medio de una aplicación programada especialmente, traducir la secuencia temporal del video en una escultura virtual, que luego es materializada de forma aditiva por medio de miles de capas muy finas, donde cada capa corresponde a un fotograma. En este momento estoy estudiando cómo estos procesos de autoorganización pueden leerse como elementos oraculares, como hacían los intérpretes de los pájaros (auspex) en las artes adivinatorias (mantiké) que se practicaban en la antigua Grecia.

MCB: “Máquina Fausto” (2016) resume obras con técnicas y procedimientos distintos y allí trabajas básicamente con petróleo crudo y cera virgen de abejas. ¿Porqué elección –casi constante en tu obra- del petróleo y la cera como materia prima?.

Perpetuum Golem #1 Fotografía digital 195 x 150 cm. 2015

JPF: El petróleo crudo es la materialidad de las vísceras mismas del capitalismo, es el símbolo de sus leyes. Es la textura, la sangre, la matriz energética y temporal, su esplendor y decadencia. Contrapongo la cera virgen de abejas como su opuesto. La cera es la expresión de la ley de la colmena, este súper-organismo que es el máximo ejemplo de organización social dentro de los sistemas vivos. La cera es biodegradable, energéticamente sustentable y morfológicamente reversible, es el símbolo de la interacción armónica entre miles de abejas con su medioambiente. Me interesa propiciar la colisión de estos dos mundos contradictorios.

MCB: Entiendo que el proyecto “Perpetuum Golem” (2012-2017) sería el broche de oro de esta instalación protagonizada por una máquina que construye la cabeza de cera para luego destruirla y volver a reciclarla; un “artefacto de escritura sin fin”, como vos mismo la defines.

JPF: El objetivo final es instalar la máquina en un ecosistema con colmenas vivas, conformando así un sistema autopoiético, que utilice la luz solar como fuente de energía renovable. Sincronizando la fase de construcción y la de destrucción con los ciclos lunares y solares. Enlazando principio y final, de tal manera que cada repetición desencadene un proceso único e irrepetible.

Maria Carolina Baulo

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