Juan Pablo Marturano – Quid pro Quo

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Pliegues y plegarias

Nacido en Buenos Aires en 1975, este artista, Doctor en Artes por la Tama Art University de Tokio, con una Maestría en Escultura en Kanazawa College of Art -también en Japón- y graduado de la Accademia di Belle Arti di Carrara en Italia y de la Escuela Nacional de Bellas Artes P. Pueyrredón, se acerca a la escultura desde un lugar donde pareciera combinar la práctica ritual de la ofrenda con el registro fotográfico y del dibujo, típico de los artistas viajeros del siglo XIX. Una obra con una factura delicada, elegante, clásica, que deja evidencia de un manejo técnico del material -especialmente el mármol de carrara y granito – realmente destacable.

Ganador del 2do.Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, Escultura (2015), Mención de Escultura en el Salón de Artes Visuales M. Belgrano (2013),  tres veces finalista del Premio Itaú Cultural de Artes Visuales (2014, 2015 y 2016), en Libros de Artistas Argentinos, N.Y. Art Book Fair (MoMA PS1, New York 2014), entre muchos otros, Juan Pablo Marturano conversa con la naturaleza, hace un intercambio, un “quid pro quo”, establece una relación  dialéctica entre lo que ella puede darle – desde la inspiración per se hasta la materialidad misma que obtiene para sus obras- y lo que él, como artista, puede devolverle.

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Ramada y Mercedario

Maria Carolina Baulo: Contame un poco sobre tu formación y la elección del mármol y el granito como materiales centrales en tu obra. 

Juan Pablo Marturano: Estudié en la histórica Escuela de Bellas Artes Pueyrredón. La escuela tenía una base teórica amplia y cursé talleres de pintura, dibujo, grabado y escultura. Allí comencé a tallar piedra con Juan Carlos Visconti. Él me transmitió su experiencia en Italia y me entusiasmé con viajar a Carrara y Pietrasanta. Cursé en la Accademia, donde me especialicé en la talla en mármol y trabajé en varios talleres. Entre tantos extranjeros conocí a varios orientales y comencé a interesarme por la cultura japonesa. En 2005 fui becado por el Gobierno del Japón para perfeccionarme en talla en granito, estudiar arte y cultura japonesa y, en ese contexto, desarrollar mi obra.

MCB: Es muy interesante la suerte de ritual que desplegas llevando una escultura a la montaña y tomando de ella las piedras. ¿Cómo podes describir esta experiencia ligada al proceso creativo de la obra?

JPM: Es una costumbre muy difundida entre los montañistas. Consiste en llevar una pequeña ofrenda simbólica hasta la cima, como un gesto de agradecimiento al monte por permitirnos acceder a su cumbre. Una vez allí, hay quienes recogen algún objeto encontrado como testimonio que recuerde dicha ascensión. Entonces, comencé a llevar conmigo una escultura previamente tallada. Y en mi caso, el testimonio suele ser una piedrita. Después, ya de vuelta en el taller, esta piedrita hará las veces de modelo para la realización de otra obra. Lo pienso como un trabajo hecho en colaboración con la montaña, ya que es la naturaleza quien propone las formas de los dibujos y las esculturas. Por otra parte, en cuanto a la fotografía se refiere, es ella también quien decide la nubosidad y la altura del sol al momento, generalmente breve, de estar en su cumbre para tomar la fotografía de la ofrenda.

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Origen de los suenaos

MCB: ¿Qué rol cumplen la fotografía y el dibujo en tu trabajo? Pienso en los artistas viajeros del siglo XIX por ejemplo…

JPM: La fotografía es, en parte, una forma de documentar el viaje. Pero principalmente, es el registro de una acción, en donde mi escultura deja de ser mía y pasa a ser de la montaña, a formar parte de ella, o sea, vuelve a ser piedra nuevamente. En cuanto a los retratos de las piedras encontradas, son “testimonios” de cumbres alcanzadas que, hoy en día, ya no representan ningún logro significativo, más que a nivel meramente personal. Para mí, aquella pequeña piedrita no testimonia la “conquista” de un cerro. Muy por el contrario, representa breves instantes vividos en una cumbre, donde te encontrás en medio entre las montañas y el cielo, inmerso en una inabarcable y abrumadora inmensidad. Entonces, al experimentar semejante sensación tomás consciencia de la propia pequeñez. Ya no te sentís un mero espectador, sino que te sentís parte también de la naturaleza misma, precisamente, como esa diminuta piedrita en la cima de una enorme montaña.

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Testimonio Lanin

MCB: Ver las esculturas y las ilustraciones o las fotos, me hace pensar que la obra es todo eso, funcionan en conjunto, como una suerte de eco a la distancia entre la escultura que quedó en la cumbre y la que está en la muestra.

JPM:  Mi doctorado giró en torno a la escultura, la piedra y la montaña. De alguna manera, estos tres elementos están siempre presente, ya sea como tema o como medio, tal vez por eso, hacen que funcione en conjunto. Hace décadas que artistas como Smithson, De Maria, Long, Fulton, por ejemplo, trabajaron sobre lo dual del espacio expositivo y el campo exterior, lo urbano y lo deshabitado, etc. Si bien hay algo de eso presente en mi obra, me gusta más pensar en las excusiones y los apuntes de montañas y de rocas realizados por Leonardo, Turner, Cézanne, Friedrich, Ruskin, por ejemplo. Creo que las esculturas, las fotos o los dibujos, se potencian y se enriquecen mutuamente. En última instancia, todas hablan de la manera en que me relaciono con la montaña.

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Fuji San

MCB: ¿Cómo es la técnica para trabajar una piedra como el mármol de carrara? 

JPM: Yo trabajo mucho con boceto previo, que me sirve para visualizar la obra antes de empezar a tallar. La talla, propiamente dicha, la podemos dividir en tres instancias: el desbaste grueso, que sería el planteo general de los volúmenes; el modelado, que consiste en delinear las formas y por último, la terminación, que es el ajuste fino y el pulido, si corresponde. En cuanto a los procedimientos para trasladar las formas de un boceto a la piedra hay varias maneras. Pero posiblemente, el más característico de Carrara, es el conocido como pasado a punto. Puede ser mediante el llamado “de los tres compases”, muy utilizado en la antigüedad. Otro es utilizando la llamada “macchinetta dei punti”, un mecanismo de origen francés desarrollado durante el siglo XIX, que garantiza un alto nivel de fidelidad, y por eso, es muy utilizado por los artesanos pasadores.

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FxL-Vn Lanin

MCB:  ¿Pensaste en algún momento trabajar a gran escala?

JPM: Si, tengo varios proyectos que espero poder desarrollar. De todos modos, no es una prioridad inmediata. La escala es un elemento fundamental de la escultura, pero más grande no siempre quiere decir mejor. Depende de cada obra y, de la escala utilizada en relación con el espacio que la rodea, por supuesto. Más que el tamaño real me interesa cómo se percibe el volumen. Hay obras de Bourdelle de 60 u 80 cm de alto que son monumentales, sentís que los volúmenes se te vienen encima. La fuerza nace del interior de la obra, de la construcción de la imagen, no de su tamaño real. Además, en el caso de las montañas, por más grande que uno quiera trabajar, siempre serán diminutas a lado de una montaña real. Me interesa más el hecho de recrear un microcosmos, cierto universo en miniatura. Como hacer que fuera posible abrazar una montaña.

Maria Carolina Baulo

Links:  
https://www.flickr.com/photos/jpmarturano/sets
https://instagram.com/jpmarturano

 

 

14 responses

    • Gracias por tus comentarios Norma, serán pasados al artista…una obra integrada al medio utilizando un formato expresivo que combina con ancestral con lo contemporáneo

  1. Me interesa y admiro la obra de Juan Pablo. A logrado una sintesis del decir. Esas formas de lineas muy sutiles envuelven y transmiten ritualidad y contemplacion. Gracias a ambos por este texto. Los abrazo

  2. Me interesa y admiro la obra de Juan Pablo. A logrado una sintesis del decir. Esas formas de lineas muy sutiles envuelven y transmiten ritualidad y contemplacion. Gracias a ambos por este texto. Los abrazo

    • Además de una técnica impecable, de rescatar el trabajo con la piedra y todo el escenario ritual que implica tomar y devolver de la naturaleza…
      gracias Paulina!

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