Instalaciones-Virutas | Andres Waissman

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Andrés Waissman trabajando en su studio.

Artista visual argentino, Andres Waissman se destaca como figura clave dentro del arte contemporáneo latinoamericano. Su trayectoria es notoria y resume hasta el momento numerosas muestras individuales a nivel internacional y nacional y más de sesenta colectivas: Centro Cultural Recoleta; Fundación Jorge Luis Borges; ECA de Mendoza; Museo de Arte Contemporáneo, Salta, Museo Emilio Caraffa, Córdoba; Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Palais de Glace; Museo Nacional de Bellas Artes; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Museo Eduardo Sívori, entre tantos en Argentina y expuso en distintas partes del mundo desde sus inicios en la profesión en 1973: Brasil, Corea, Holanda, Inglaterra, Italia, Estados Unidos, entre otros.

Ferias internacionales y colecciones de todo el mundo albergan sus trabajos: University of Essex – Collection of Latinamerican Art UECLAA, UK; MoLAA Museum of Latin American Art, Long Beach, CA; Jack Blanton Museum of Art, The University of Texas at Austin; Judah Magnes Museum, Berkeley, California; Galleria Civica d´arte Contemporanea F. Pizzo, Palazzo Spano Burgio, Marsala, Italia; Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; Colección Universidad di Tella; Colección UADE; Museo Castagnino-MACRO, Rosario; Colección del Museo Killka, Mendoza, entre otras. Su formación junto a grandes artistas como Augusto Torres y Antonio Seguí, sumado a los viajes y su prolongada estadía en los Estados Unidos, dejan como resultado una extensa carrera internacional. Desde 1992 vive y trabaja en Buenos Aires. En 2005 se publicó el libro WAISSMAN (un artista peregrino) por Rodrigo Alonso y recientemente WAISSMAN, un documental de Eduardo Montes Bradley para PBS -Estados Unidos-, presentado en el Malba en 2010.

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Instalación ECA-Espacio de Arte Contemporáneo en Mendoza (diciembre 2013-abril 2014)

María Carolina Baulo: Quizás lo que más asociamos rápidamente con tu trabajo, son las pinturas formato grande, abstractas. Me el pasaje que haces del plano al volumen y la toma del espacio. ¿Cuándo y cómo se da esta situación y cómo interactúan ambos campos?

AW: Es cierto que son pinturas en general de gran formato, pero no son abstractas totalmente. Por ahí puede intuirse alguna forma de animal, no será un caballo pero tampoco un gato, pero tienen algo de los dos. Y cuando paso a lo tridimensional, es el mismo concepto; y es ahí donde se abre la obra para una muestra: las pinturas, una viruta y los animales juntos en formato instalación y a la vez la muestra como una entera instalación, porque se trata de aproximar lenguajes y ampliar la imagen. Nada justifica nada, todo tiene que estar ahí. Por eso cuando trabajo siempre pienso en paredes, en un espacio. Me resulta más interesante.

MCB: Alambre, yeso, viruta, marcan ya un sello propio en tu trabajo. ¿Cuál es el criterio de selección de estos materiales? ¿Juegan desde lo conceptual o podrías usar otros materiales para decir lo mismo con tu obra?

AW: Es probable que otros materiales puedan decir lo mismo, pero la viruta es cruda y potencia mi obra. Por otro lado no es un material amable, llegó de sorpresa a mí cuando estaba trabajando. Yo vi que la viruta se transformaba en multitudes y arranque por ahí. Aunque son también territorios, pantanos, etc. Me siento muy cómodo teniendo una viruta gigante en mi estudio -que es la que estuvo en el Caraffa, las obras blanco-negro en esmalte y los animales mitológicos de yeso. Estoy tapado de cosas, pero sigo pudiendo trabajar en lo que queda de espacio. 

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Instalación ECA-Espacio de Arte Contemporáneo en Mendoza (diciembre 2013-abril 2014)

MCB: Imagino que no debe ser nada sencillo trabajar con viruta, por lo maleable, lo desprolija que puede resultar y hasta en cierto punto lastima al manipularla. ¿Cuál es tu experiencia?

AW: Si, la viruta no es fácil de modelar. Diría “modelar” porque es lo que hago y con guantes, claro.  Es filosa, es agresiva y es fantástica. Tengo muchos proyectos con este material. No hace mucho una artista muy joven me dijo que las virutas le parecían sensuales y, creo, que eso tiene que ver con el resultado de algo que flota y produce caminos sinuosos. Mi experiencia es fantástica y peor es para  los  que tienen que soldar o trabajar con plomo!

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Andrés Waissman trabajando en su studio.

MCB: Tus series más reconocidas siempre giran en torno a cuestiones relativas al movimiento del hombre, su andar, su espacio, el binomio nómade-sedentario, las migraciones. Eso se ve claramente en las pinturas ¿cómo se traduce a las instalaciones? Teniendo en cuenta que también incorporás cantidad de otros objetos, como jaulas, por ejemplo.

AW: Desde siempre, lo efímero –metafóricamente- es mi preocupación. Pensá que tengo 59 y que en el 73´ estaba haciendo mi primera individual en Lirolay y ya estaban las formas humanas colgadas, torturadas. Hablo de lo efímero de la vida, de las migraciones, de los peregrinajes, de las tragedias. El hombre y sus vivencias, el hombre y su crueldad; y fijate que lo efímero tiene ahora que ver con las virutas, si se mojan se van desintegrando, se hacen polvo, desaparecen esos brillos, esos territorios. En cuanto a las jaulas, intenté desvincularlas de su identidad de jaula. Creo que las convertí en templos altos que caen, que se incorporan en las instalaciones como la destrucción de lo más habitual. Todo se transforma en polvo.

MCB: Sería ideal si pudieras poner un ejemplo concreto de trabajo con estos materiales; el cómo trabajar en la producción de una obra -por supuesto sin develar ningún “secreto” que no quieras compartir-. 

AW: Todos me conocen como un gran compartidor, no hay secretos. Ellos son el mal para los artistas. Todos podemos saber lo mismo, coincidir incluso con nuestras estéticas y conceptos; pero las obras nunca son del todo iguales, sino no hay artista detrás. Trabajo con colegas de veinte tantos, por lo que se produce una energía creativa importante. Tenemos nuestro método y yo tengo el mío -que es ciertamente fuerte y desigual-, pero en el proceso es difícil detenerme.

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Andrés Waissman trabajando en su studio.

MCB: Es muy interesante que un artista de tu trayectoria y ya consagrado en su trabajo y reconocido por un tipo de obra, se reinvente y desplace su trabajo a otras áreas. De alguna forma, es lo que se le pide al artista contemporáneo ¿verdad? Ese dinamismo para nutrirse de información y creatividad que puede venir de cualquier estímulo externo e interno, pero ya no limitado a un hacer puntual como ser escultor o pintor, etc. ¿Cómo vivís esta situación?

AW: Es perfecto lo que decís. Pensá que cuando yo arranqué, se era pintor, grabador, fotógrafo, escultor o dibujante y se decía de quien se atrevía a cruzar ciertas líneas “es mejor en lo que hacía antes, debería quedarse en eso”. No seguiría trabajando si no supiera que estoy en permanente evolución. Yo voy como la contemporaneidad va. No es que la sigo, sino la veo, la intuyo, la vivo. Estoy despierto a los gritos de estos tiempos y aunque no esté de acuerdo con la banalidad –que la hay y ¡mucha!-, también hay muchos jóvenes muy  talentosos y que de alguna manera abren la posibilidad de que se puedan incorporar nuevos formatos y tecnologías y que ocurra lo que me ocurre: que nada me es suficiente; y que cuando ahora miro incluso mis fotos, no se despegan de la línea conceptual de mi trabajo. La información es importantísima, no se puede trabajar hoy a lo Rothko o a “la manera de…” sin  reasignarles otra lectura a partir de esos artistas, pero siendo otro artista quien recibe la señal disparadora. Hay, a pesar de tanta información, quienes insisten en hacer lo hecho. Es decir, no arriesgar, no mirar, no saber. Trabajar en arte es entender el arte. Es lo más difícil que existe y llevar el título de artista, a veces queda muy grande.

By Maria Carolina Baulo

16 responses

  1. Tuve oportunidad de conocer a Andrés Waissman (y ser honrado con palabras suyas) cuando comenzaba su exploración sobre el material y espeso cuerpo en el espacio, de la viruta. En su momento le comenté, y sigo creyendolo así, que existe un fuerte vínculo entre ese material desplegado y las pinturas sobre los inmigrantes, las masas humanas desplazándose: como si fueran dos abordajes, o dos ataques distintos a un mismo tema: la tragedia en el devenir del hombre, de la humanidad. El acero de la viruta, contiene la idea de material hiriente, agresivo, que torna al artista y a quien aprecia su obra, frágil. Es una condición, no es posible observar la obra de AW sin sentir cierto desasosiego por la vulnerabilidad del hombre. Otra serie de pinturas que amo de AW, junto con las virutas, las Multitudes, Leviatán, sos sus alfabetos. Esa serie de pinturas que contienen signos que no pueden ser descifrados del todo es fruto de una mirada muy aguda e incisiva.

  2. Excelentes trabajos!!! obras con mucha personalidad, fuertes, con carácter, se nota q hay una investigación detrás y con un alto poder de atracción al espectador q la hace totalmente atractiva. felicitaciones!!!

  3. Excelente entrevista, traduce mucho de Andrés Waissman. Un gran compartidor sin duda. Obras con calidad, belleza y potencia artística… Geniales. Felicitaciones

    • Gracias Pablo. Excelente reflexión de alguien que conoce la “cocina” del trabaj de Andres Waissman. Cariños

  4. Genial! Siempre es interesante saber sobre el proceso de construcción de obra de otro artista. Ese proceso que a veces nace fuera y otras muy de adentro. Felicitaciones Andrés y Carolina por la nota!

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